아득한 옛날 인간이 이 세상에 존재하면서부터 음식을 담는 그릇은 생존의 필수도구였다. 이런 그릇이 미적인 대상으로 변하면서 그릇의 재료에 따라 평가가 다르게 나타났지만 사람들의 친근한 사랑을 받게 된 것은 나무나 금속으로 만든 그릇보다도 흙으로 만든 도자기Porcelain (also known as China or Fine China)가 아닐까? 흙은 불을 통해 보다 단단하고 깨끗하고 많은 표현력을 갖는 그릇으로 새로 태어나면서 나무처럼 변질을 걱정하지 않고 또 금속처럼 차가움을 주지 않는, 그리고 그 표면이 인간의 속살처럼 맑고 윤기가 있다는 데서 보다 인간적, 인간-친화적인 대상으로 인정받게 된다.
세계 각국이 도자기 예술을 키워왔지만 세계의 문화지도를 바꾼 결정적인 계기는 9-10세기 경 중국 당나라(618~907)때에 개발된 자기(磁器) 기술일 것이다. 고령토kaolin라는 흙으로 빚은 그릇의 원형들을 섭씨 1200도에서 1400도까지(between 1,200 °C (2,192 °F) and 1,400 °C (2,552 °F)) 높은 온도에서 구워내면 이 흙은 도기(陶器)가 아니라 표면의 유약이 유리질로 바뀌면서 단단하고 강하고 투명한 자기(磁器, porcelain)가 된다. 그 전까지의 도기와는 너무 차이가 나는 뛰어난 품질과 예술적인 아름다움으로 해서 이 작품들은 아라비아에까지 전해지며 높은 완상을 받았고 당나라에 이은 송나라 때 대량으로 도자기를 만드는 기술이 중국내에서 확고하게 형성되었고, 중국과 가장 인접한 한국에서도 세계인들의 상찬을 받는 청자가 만들어졌다. 이런 작품들이 유럽인들을 매료시킨 것은 1338년 헝가리 루이스(Louis)황제에게 전해진 폰트힐 화병(Fonthill vase)일 것이다. 이후 유럽인들은 이렇게 아름답고 멋진 예술품들이 너무 고가이다 보니 자국에서 만들기 위해 전쟁이라 부를 만큼 치열한 노력을 기울였고, 그것이 어느 정도 성공을 거둔 것은 18세기 초 독일이었다. 독일 작센지방의 에렌프리트 발터(Ehrenfried Walther von Tschirnhaus)가 1708년에 단단하고 투명하며 흰 도자기를 생산했는데, 콜티츠에 있는 작센 광산에서 채굴된 고령토와 점토, 그리고 석고(alabaster)를 혼합한 흙으로 만든 것이었다. 물론 이 기법은 철저한 기업비밀로 감추어져왔다.
자기를 만드는 기술은 너무나 첨단 기술이어서, 한국에서는 이미 10세기에 자기를 만들어 왕실 등에서 많이 쓰고 수출까지 하였지만, 바로 이웃인 일본에서는 이 기술에 도달할 수 없어 초기단계의 자기를 만드는 수준에 머물고 있었다. 10세기 말 신라를 이어서 고려왕조가 등장하면서 자기기술은 더욱 발전해 정교하고 유려한 형태의 비색 청자들이 만들어져 일본에까지 전해지면서 다도를 좋아하게 된 일본인들의 상찬을 받았지만 정작 일본이 이 기술을 갖게 된 것은 스스로의 노력에 의해서가 아니라 이웃나라 한국(당시 조선왕국)을 1592년에 침입하고 7년 전쟁 동안 수 백 명의 도자기 기술자들을 일본으로 납치한 이후였다.
이 전쟁에서 일본은 많은 한국인들을 노예로 끌고 갔다. 5만에서 20만 사이로 추정되는 이들 포로 중에는 학자들과 도공들이 있었다. 히데요시의 군대에 의해 끌려간 한국 도공 중에 가장 위대한 사람은 이삼평(李參平, 1579-1655)이다. 이삼평은 가족과 함께 일본 큐슈의 사가현에 끌려가 그곳에서 각지를 돌다가 고령토가 있는 곳을 발견하고 자산이 가진 기술로 자기를 굽기 시작했다. 곧 그가 도자기를 만든 아리타(有田)야키(窯)는 일본에서 도자기 생산의 중심지가 되었고 청화백자 스타일의 자기제품들은 유럽으로 수출돼 인기를 끌었다.
사쓰마의 다이묘(代名)도 도자기를 만들고 싶어서 한국에서 도공들을 강제로 끌고 왔다. 그 도공은 영주가 있는 사쓰마에서 화려한 색채의 도자기에 빙렬이 생긴, 테두리를 금으로 한 자기들을 만들었으니 그것이 사쓰마(薩磨)야키(窯)이다.
이렇게 만들어진 일본에서 도자기들이 만들어지기 시작하자 도자기에 대한 수요가 폭발적으로 증가해 일본 각지에 도자기 가마들이 만들어지고 많은 전문인력들이 투입되었다. 그들이 만들어낸 작품들도 다채롭기 그지 없었다. 이런 도자기들이 유럽으로 수출돼 유럽에서 중국의 도자기들과 경쟁을 벌였고 많은 인기를 끌었다.
이런 식으로 일본의 도자예술이 유럽과 세계의 상찬을 받게 된 그 이면에는 한국으로부터 납치한 수 백명의 도자기 기술자들의 피와 눈물이 있었다. 물론 일본이 이런 기술자들을 대우하고 이들에게 보다 아름다운 창작을 요구함으로써 그 아름다움이 다양하게 꽃피고 세계에 퍼진 것은 일본의 공헌임은 부정할 수 없다. .
그런 의미에서 세계는 한국이 이미 10세기부터 발전시켜 온 도자기 제조의 전통을 주목하고 기억해주어야 한다. 일본에서는 16세기말, 유럽에서도 18세기에나 가능했던 도자기 제조기술을 갖고 뛰어난 예술품들을 만들어낸 한국의 도자전통은 20세기 초 일본의 지배를 받으면서 그 명맥이 잠시 흐려졌으나 20세기 후반에 많은 한국 도예인들의 노력에 의해 다시 살아났다.
여기에서 우리는 현대 일본의 도예에 관해서도 새로운 시각을 가질 필요가 있다. 1950년 11월 프랑스 파리의 체르누스키 미술관에서는『현대일본도예전』이 열려 당시 일본을 대표하는 작가 49명의 작품 71점이 몇 달 동안 열려 프랑스인들의 호평을 받았고 당시 전시장을 들른 파블로 피카소의 강력한 요청으로 그의 도자작업장이 있는 남프랑스의 발로리스에서 1951년 7월부터 2개월 동안 전시회를 가졌는데 이 때에 피카소 자신도 40여점을 함께 전시해 화제가 되었다는 사실이 있다. 그런데 이 전시회에 출품한 北大路 魯山人(1883~1959), 河井寬太郞(1890~1966), 富本憲吉(1886~1963) 등의 도예작가들이 대부분 한국의 옛 도자기 가마를 방문해 한국의 도자기 제조법을 다시 연구했고 한국작품의 영향을 그들의 작품 속에 짙게 남겼다는 사실이다. 1950년을 전후해서 도자기에 심취했던 파블로 피카소가 일본 현대도예에 깊은 관심을 보이고 그 도자기 작품의 문양과 회화에 일본으로부터 흡수한 흔적을 남겼던 만큼 한국의 도자예술이 피카소에까지 이어졌다는 분석도 가능하다.
그러므로 이번 유네스코 본부에서 열리는 한국 도예가 신경균의 작품전은 한국 도자예술의 긴 역사를 더듬는 기회이며, 현대 일본의 도자예술의 원류로서의 한국도예의 기술과 예술적 성취를 세계에 알리는 드문 자리이기도 하다. 특별히 중요한 것은 신경균의 작품이 모두 한국의 도예가들이 천 여년의 긴 시간 동안 발전시켜왔던 장작 가마, 곧 소나무(pine tree)만을 땔감으로 해서 등요(登窯, nobori-kiln)에서 전통기법 그대로 구워낸 작품이라는 점이다. 한국의 도자기 산업이 일찍 발달할 수 있었던 것은 바로 한국 어디에나 자생하고 있는 소나무들이 땔감으로 사용되면서 1400도에 이르는 고열을 얻을 수 있었기 때문이다. 일본에서 17세기 초에 도자기산업이 태동한 것도 앞에서 언급한 것처럼 일본으로 끌려간 한국의 도예공들이 일본의 토양에서 한국에서와 같은 고령토를 찾아내어 이를 빚은 후 한국에서와 같은 소나무로 고열을 얻을 수 있게 된 이후라는 점이 이를 말해준다.
오늘날 중국이나 일본, 그리고 한국의 대부분의 도예작업장에서는 전통적인 장작 가마를 포기하고 개스나 전기에 의해 고열을 얻는 방식이 쓰여지고 있다. 그것은 전통적인 장작 가마가 불의 온도에 의해 제대로 작품으로 성공해 나오는 비율이 엄청 낮은 반면에 개스나 전기를 통한 작업은 고열을 안정적으로 얻을 수 있고 그것으로서 도자기 작품의 성공률이 높아 대량으로 생산할 수 있기 때문이다. 그러다보니 장작을 사용하는 전통적인 제작기법이 없어져가고 있기에 신경균의 도예작업은 천 년 이상된 동아시아 도자제조전통의 보존이라는 측면에서도 아주 중요한 의미가 있다.
1910년 일본이 우리나라를 합병한 후에 가장 중점을 두고 한 일이 경기도 광주 이천 일대에 남아있던 조선 정부가 운영하던 가마터인 분원(分院)을 파괴하는 것이었다. 일본은 한국을 침략한 이후 한국 도자예술의 세계를 흡수해 자신들의 것으로 세계에 알리는 과정에서 그 뿌리가 한국이라는 점을 알리기가 싫었을 것이다. 그러기에 일본의 통치하에서 우리나라 도자 장인들은 단순히 식기 등 생활그릇 만드는 수준으로 전락해, 조선시대의 그 뛰어난 예술의 명맥이 실종되는 상황이 왔다. 이러한 상황에서 조선시대 도자예술을 다시 찾아낸 사람이 신경균의 부친인 아버지 신정희(1938~2007) 씨이다.
그의 셋째 아들인 신경균은 나이 열다섯에 경남 양산 통도사 인근에 있는 부친의 작업장에서 발물레를 차기 시작했다. 발물레가 당시 소년의 체구에게는 너무 커서 발을 뻗어가며 억지로 물레질을 하니 숨이 가쁘고 땀이 흥건한 데 아버지는 이를 주기적으로 시키면서 어린 아들이 도예의 기본인 물레에서부터 철저하게 몸으로 배우도록 배려를 했다. 아버지는 아들들에게 도자기에 관한 모든 것을 처음부터 끝까지 배우도록 했고, 물레질에서부터 유약만들기, 유약 담그기, 그리고 가장 힘든 불 넣기 등 그가 복원한 한국의 전통 장작가마 기법을 철저하게 전수했다. 초벌을 위해 작은 그릇들을 수없이 만들도록 한 뒤 초벌에서 나오면 그 중의 9할은 어디가 잘못됐다. 왜 이리 여기가 두꺼운가? 여기는 더 도톰하게 해야 한다는 등 하나하나 이유를 대며 깨어버리셨다고 한다. 그러면 다시 초벌에서부터 시작을 해야 한다. 그 지리한 과정을 다시 반복해야 하니 힘은 힘대로 든다. 그렇게 수없이 흙을 빗고 형태를 만들고 하는 과정에서 배우고 태어난 그의 도자기들은 가장 세련된, 성숙된 형을 찾았고 두께와 느낌을 가장 최적의 상태로 빚어낼 수 있었다고 신경균은 회고한다.
신경균의 도자예술은 그러나 뼛속부터 선대로부터 배웠지만 전통장인의 세계에 머무르지 않는다. 그는 전통은 한국인이란 몸의 바탕이지만 옛 얼굴 그대로를 다시 만들고 보여주는 것은 예술이 지향하는 바가 아니라며, 기존의 관념을 깨는 과감한 시도를 분청과 흑유, 철화, 텀벙 등의 기법, 그것을 단독 또는 혼합, 혹은 융합을 통해 새 기형과 새 표면과 새 색, 새 빛으로 빚어낸다. 덜 정제된 흙 속에는 듬성듬성 작은 결정들이 그대로 남아있는데 이것들이 맹숭맹숭할 수 있는 도자기의 피부에 생명을 불어넣기도 한다. 그리고 그 위에 과감한 붓질로 때로는 하늘을 마음껏 다니는 구름을 그려놓기도 하고, 발묵기법의 동양화 추상의 세계를 항아리(大壺)나 대발(大鉢), 큰 접시(大皿, 大盤) 위에 쏟아내기도 한다.
그러므로 한국 도예가 신경균의 유네스코 본부전시회는 16세기 말 자기 제조기술이 일본으로 건너가기 전까지 세계 최고의 예술적 작품을 만들어 온 한국의 전통 도예가 처음으로 유럽과 세계에 본격 소개되는 자리이다. 한국의 두번째 대도시 부산 인근 기장군에서 장안요를 운영하는 도예가 신경균 씨는 한국에서 높은 평가를 받아, 2005년 11월 부산에서 열린 에이펙(APEC), 곧 아시아 태평양 정상회의의 공식회의장인 해운대 누리마루의 장식예술품으로 초대돼 각국의 정상들에게 한국도자의 멋을 전하기도 했다. 신경균 씨는 가스나 전기 등을 이용한 도자기 제조법이 도자기의 표현세계를 넓혔지만 한국의 전통장작가마에서 나오는 부드럽고 깊고 은은한 도자예술의 세계는 따라올 수 없다며 한국의 전통적인 제조기법을 보존하면서도 한국적인 아름다움을 현대적인 감각을 담아서 세계인들에게 당당히 보여주고 싶다고 전시회의 포부를 밝혔다.
Bowls that were designed to contain food have been an essential tool for survival since humans started living on the earth. As bowls became aesthetic objects, they were evaluated differently depending on their raw materials. Wouldn’t porcelain(also known as China or Fine China) with its finer qualities, naturally come to be favored over bowls made of wood or metal? Earthen bowls, reborn from earth as a firmer, cleaner, and more expressive bowl by fire, began to be recognized as a humane and human-friendly object. It did not rot like wood nor have the cold touch of metal. Rather, it had a clear and glossy surface much like human skin.
Although many countries had been developing pottery, porcelain techniques developed during the Tang dynasty (618 to 907) between the 9th and 10th century can still be considered as one of the most significant turning points that effectively changed the world’s cultural map. If the original form of a bowl, made of kaolin, is fired at a high temperature between 1,200 °C (2,192 °F) and 1,400 °C (2,552 °F), it becomes a firm, strong, and transparent porcelain with a glossy surface that changes to hyaline. It is this particular characteristic that differentiates it from other forms of pottery. As a result of their incomparable, outstanding quality and artistic beauty, these works of art were highly valued and transported to Arabia. In China, porcelain techniques exponentially developed during the Song dynasty which followed the Tang dynasty. Celadon pottery was then consequently developed in Korea, adjacent to China and quickly became a highly recognized product all over the world.
From the moment the ‘Fonthill Vase’ was received by King Louis of Hungary in 1338, European people became fascinated with these works of art. Due to the difficulty in obtaining these beautiful artworks due to their extremely high prices, Europeans aggressively sought ways to reproduce them in their own countries. The Germans finally achieved some measure of success in the early 18th century. Ehrenfried Walther von Tschirnhaus, who lived in Sachsen, Germany, succeeded in making strong and transparent white ceramics by mixing earth with clay, alabaster, and kaolin extracted from the Sachsen Mine in Choltitz in 1708. As expected, this highly sought after technique has been kept strictly confidential to this very day.
Although Korea was able to both make porcelain for its royal families and export it to other countries by the 10th century, its neighboring country, Japan, did not have these state-of-the-art porcelain techniques. By that point, Japan was only capable of making the initial type of porcelain. As the Goryeo dynasty emerged following the Shilla dynasty in the late 10th century, porcelain techniques continued to develop and as a result, exquisite and elegant celadon products were being made. After the technique was finally picked up in Japan, many Japanese people became interested in the tea ceremony and subsequently gained a high level of respect for these works of art. Japan, however, did not learn these techniques though independent development, but rather extorted them during the Seven Year War in 1592, when Japan invaded their neighboring country, Korea (Chosun at that time), and kidnapped hundreds of Korean potters.
During this war, Japan hauled an estimated 50,000 to 200,000 Koreans to Japan as slaves, with scholars and potters all among those who were captured. The greatest of the Korean potters, Yi Sam-pyeong (1579 to 1655), was also abducted by the army of Toyotomi Hideyoshi. After he was taken to the Saga Domain in Kyushu of Japan with his family, he began travelling all around Japan. When he finally discovered kaolin, Yi Sam-pyeong settled down and began making porcelain once again. This area, Arita-yaki, later became the center of ceramics production in Japan. White and blue porcelain products produced in this area were exported to as far as Europe and grew in popularity.
The Daimyo of Satsuma Domain also hauled potters from Korea in order to make ceramics. In the Satsuma Domain where the lord lived, the potters made finely cracked and colorful porcelain products with gilded edges, otherwise known as Satsuma Yaki.
After ceramic production began in Japan, the demand for ceramics rapidly increased. Ceramics kilns were built in many areas of Japan, with numerous potters tasked with producing a variety of porcelain works. After these ceramics were exported to Europe, they competed with Chinese ceramics and continued to garner tremendous popularity.
Ultimately, the popularity of Japanese pottery in Europe and all over the world draws from the hardship and efforts of hundreds of potters abducted from Korea. No one can of course deny the contribution Japan has also made to the development and worldwide spread of pottery by treating these Korean potters well and encouraging them to create more beautiful works of art.
In this respect, the worldwide community should also recognize and remember the tradition of pottery making that has been developed by Korea since the 10th century. The tradition of outstanding Korean pottery making based on state-of-the-art techniques, which were only available in Japan by the 16th century and only in Europe by the 18th century, barely survived the Japanese colonial era in the early 20th century. These techniques, however, were thankfully revived due to the efforts of many Korean potters in the late 20th century.
With this wider understanding of the history of ceramics, we need to develop a new perspective on contemporary Japanese pottery. In November 1950, the “Exhibition of Modern Japanese Ceramics” was held at the Cernuschi Museum in Paris, France, with 71 works from 49 representative Japanese artists on display, earning favorable reviews from the French public over several months. At the request of Pablo Picasso, who visited the exhibition, it was held once again in Vallauris, Southern France, where his own pottery workshop was located, for another two months from July 1951. It became a sensation because he displayed 40 pieces of his own work together with the exhibit. Of particular significance, however, are the potters who displayed their works in this exhibition. Kitaoji Rosanjin (1883 to 1959), Kawai Kanjiro (1890 to 1966), and Tomimoto Kenkichi (1886 to 1963) were all among the representative artists and have all visited old pottery kilns in Korea to study Korean pottery making techniques. Influences of Korean pottery can be seen throughout their work. As a result, Pablo Picasso who was fascinated with ceramics around 1950 and had great interest in modern Japanese ceramics, has left a trail of Japanese pottery influences in his ceramics and paintings. Consequently, it can be said that Korean pottery traditions can also be found in his works.
Therefore, the Shin Kyung-gyun Ceramics Exhibition to be held at the UNESCO Headquarters is a rare chance to spread the outstanding techniques and artistic achievement of Korean pottery as the origin of modern Japanese ceramics. It is additionally a good opportunity to take a look behind the long history of Korean pottery.
It is notable that all the works of Shin Kyung-gyun were baked in a nobori-kiln using kiln firewood and using only pine trees through a traditional method that has been developed by Korean potters over a thousand years. The reason why the Korean ceramics industry developed so early is because these potters could easily obtain high temperatures of almost 1,400 °C by using the pine trees that grew all over Korea as firewood. The ceramics industry in Japan, in fact, only began to be promoted in the early 17th century after Korean potters taken to Japan, found the same kaolin there and began making pottery. They consequently taught Japanese potters how to obtain those high temperatures using pine trees.
In most pottery workshops in China, Japan, and Korea these days, high temperatures are obtained using gas or electricity, rather than using traditional kilns. This is because ceramics can be mass produced at stable high temperatures from gas or electricity. Large scale production isn’t practical for traditional kilns since controlling fire temperature is quite difficult. Consequently, as we move to more modern methods, the traditional pottery making technique of using firewood is disappearing. That is why the works of Shin Kyung-gyun have a very significant meaning in terms preserving East Asia’s, over thousand year old, pottery making tradition.
Upon occupying Korea in 1910, the Japanese forces were quick in destroying Bunwon, a Chosun government-run kiln site in Icheon, Gwangju Gyeonggi-do. Following the invasion, and the introduction of Japanese ceramics around the world, Japan may have wanted to conceal the Korean origin of their ceramics. Korean pottery master craftsmen were limited to making tableware-like bowls or dishes under Japanese colonial rule, threatening the tradition of outstanding art from Chosun. The person who rediscovered Chosun pottery again under these circumstances was Shin Jeong-hee (1938 to 2007), the father of Shin Kyung-gyun.
Shin Kyung-gyun, the third son of Shin Jeong-hee, began to turn a foot-driven spinning wheel at the age of fifteen, at his father’s workshop located near the Tongdosa Temple, Yangsan, Gyeongsangnam-do. Since the spinning wheel was too big, he was out of breath and often completely drenched in sweat when he turned the spinning wheel. His father nevertheless had him practice it regularly so that he would naturally learn the basis of pottery making. Shin Jeong-hee encouraged his sons to learn everything about ceramics from beginning to end and handed down all the Korean traditional kiln techniques he restored, including spinning, glaze making, glaze dipping, and firing, the most difficult technique of them. He was a strict teacher having his sons make numerous small bowls for a bisque firing and then breaking 90% of them with reasons like “It is too thick”, “It should be thicker”, or “This part is not good”. His sons then had to start from scratch agan for a bisque firing, so it must have been very difficult to repeat such a tedious process. Shin Kyung-gyun says he however became capable of creating the most sophisticated and elegant shapes of ceramics with the optimal thickness and touch as a result of making pottery countless times through his childhood.
Although Shin Kyung-gyun learned pottery from his father, he has not just settled for preserving traditions. He believes that tradition is a strong basis for the Korean people, but it is not the best course of action to just reproduce old things for the sake of art. He isn’t afraid of new experiments that break existing concepts, as well as trying new formats, surfaces, colors, and lights through the use of buncheong, heukyu, cheolhwa, and deombeong techniques or a fusion of them. Small crystals sparsely left in barely refined soil can sometimes even infuse life into the surface of ceramics, which might otherwise be too simple in appearance. He sometimes draws clouds in the sky with his bold strokes or even leaves the abstractive spirit of Oriental paintings on pots, big bowls, or big plates using PoMo (splashing ink) techniques.
The Shin Kyung-gyun Ceramics Exhibition to be held at the UNESCO Headquarters will introduce the traditional pottery of the Korean people, who used to make the world’s best works of pottery before their porcelain techniques were handed to Japan in the late 16th century, to Europe and then to the world for the first time. The highly praised works of Potter, Shin Kyung-gyun who is running the Jangan Kiln in Gijang-gun near Busan, Korea’s second largest city, were displayed at the Nurimaru APEC House, located near Haeundae Beach, presenting the charms of Korean pottery to global leaders. This was the official conference hall of the APEC Conference held in November 2005.
Shin Kyung-gyun said that it is true that current ceramics manufacturing techniques that use gas or electricity extend the expressive methods of ceramics, but they can’t, however, reproduce the soft and delicate sensations of pottery made in a traditional Korean kiln. He expresses his aspirations that he wants to introduce the beauty of traditional Korean ceramics harmonized with a contemporary feel to the world.
이동식 / 전kbs 해설 실장
Lee Dong-sik /
Former Head of KBS Commentary Office & Artist
아득한 옛날 인간이 이 세상에 존재하면서부터 음식을 담는 그릇은 생존의 필수도구였다. 이런 그릇이 미적인 대상으로 변하면서 그릇의 재료에 따라 평가가 다르게 나타났지만 사람들의 친근한 사랑을 받게 된 것은 나무나 금속으로 만든 그릇보다도 흙으로 만든 도자기Porcelain (also known as China or Fine China)가 아닐까? 흙은 불을 통해 보다 단단하고 깨끗하고 많은 표현력을 갖는 그릇으로 새로 태어나면서 나무처럼 변질을 걱정하지 않고 또 금속처럼 차가움을 주지 않는, 그리고 그 표면이 인간의 속살처럼 맑고 윤기가 있다는 데서 보다 인간적, 인간-친화적인 대상으로 인정받게 된다.
세계 각국이 도자기 예술을 키워왔지만 세계의 문화지도를 바꾼 결정적인 계기는 9-10세기 경 중국 당나라(618~907)때에 개발된 자기(磁器) 기술일 것이다. 고령토kaolin라는 흙으로 빚은 그릇의 원형들을 섭씨 1200도에서 1400도까지(between 1,200 °C (2,192 °F) and 1,400 °C (2,552 °F)) 높은 온도에서 구워내면 이 흙은 도기(陶器)가 아니라 표면의 유약이 유리질로 바뀌면서 단단하고 강하고 투명한 자기(磁器, porcelain)가 된다. 그 전까지의 도기와는 너무 차이가 나는 뛰어난 품질과 예술적인 아름다움으로 해서 이 작품들은 아라비아에까지 전해지며 높은 완상을 받았고 당나라에 이은 송나라 때 대량으로 도자기를 만드는 기술이 중국내에서 확고하게 형성되었고, 중국과 가장 인접한 한국에서도 세계인들의 상찬을 받는 청자가 만들어졌다. 이런 작품들이 유럽인들을 매료시킨 것은 1338년 헝가리 루이스(Louis)황제에게 전해진 폰트힐 화병(Fonthill vase)일 것이다. 이후 유럽인들은 이렇게 아름답고 멋진 예술품들이 너무 고가이다 보니 자국에서 만들기 위해 전쟁이라 부를 만큼 치열한 노력을 기울였고, 그것이 어느 정도 성공을 거둔 것은 18세기 초 독일이었다. 독일 작센지방의 에렌프리트 발터(Ehrenfried Walther von Tschirnhaus)가 1708년에 단단하고 투명하며 흰 도자기를 생산했는데, 콜티츠에 있는 작센 광산에서 채굴된 고령토와 점토, 그리고 석고(alabaster)를 혼합한 흙으로 만든 것이었다. 물론 이 기법은 철저한 기업비밀로 감추어져왔다.
자기를 만드는 기술은 너무나 첨단 기술이어서, 한국에서는 이미 10세기에 자기를 만들어 왕실 등에서 많이 쓰고 수출까지 하였지만, 바로 이웃인 일본에서는 이 기술에 도달할 수 없어 초기단계의 자기를 만드는 수준에 머물고 있었다. 10세기 말 신라를 이어서 고려왕조가 등장하면서 자기기술은 더욱 발전해 정교하고 유려한 형태의 비색 청자들이 만들어져 일본에까지 전해지면서 다도를 좋아하게 된 일본인들의 상찬을 받았지만 정작 일본이 이 기술을 갖게 된 것은 스스로의 노력에 의해서가 아니라 이웃나라 한국(당시 조선왕국)을 1592년에 침입하고 7년 전쟁 동안 수 백 명의 도자기 기술자들을 일본으로 납치한 이후였다.
이 전쟁에서 일본은 많은 한국인들을 노예로 끌고 갔다. 5만에서 20만 사이로 추정되는 이들 포로 중에는 학자들과 도공들이 있었다. 히데요시의 군대에 의해 끌려간 한국 도공 중에 가장 위대한 사람은 이삼평(李參平, 1579-1655)이다. 이삼평은 가족과 함께 일본 큐슈의 사가현에 끌려가 그곳에서 각지를 돌다가 고령토가 있는 곳을 발견하고 자산이 가진 기술로 자기를 굽기 시작했다. 곧 그가 도자기를 만든 아리타(有田)야키(窯)는 일본에서 도자기 생산의 중심지가 되었고 청화백자 스타일의 자기제품들은 유럽으로 수출돼 인기를 끌었다.
사쓰마의 다이묘(代名)도 도자기를 만들고 싶어서 한국에서 도공들을 강제로 끌고 왔다. 그 도공은 영주가 있는 사쓰마에서 화려한 색채의 도자기에 빙렬이 생긴, 테두리를 금으로 한 자기들을 만들었으니 그것이 사쓰마(薩磨)야키(窯)이다.
이렇게 만들어진 일본에서 도자기들이 만들어지기 시작하자 도자기에 대한 수요가 폭발적으로 증가해 일본 각지에 도자기 가마들이 만들어지고 많은 전문인력들이 투입되었다. 그들이 만들어낸 작품들도 다채롭기 그지 없었다. 이런 도자기들이 유럽으로 수출돼 유럽에서 중국의 도자기들과 경쟁을 벌였고 많은 인기를 끌었다.
이런 식으로 일본의 도자예술이 유럽과 세계의 상찬을 받게 된 그 이면에는 한국으로부터 납치한 수 백명의 도자기 기술자들의 피와 눈물이 있었다. 물론 일본이 이런 기술자들을 대우하고 이들에게 보다 아름다운 창작을 요구함으로써 그 아름다움이 다양하게 꽃피고 세계에 퍼진 것은 일본의 공헌임은 부정할 수 없다. .
그런 의미에서 세계는 한국이 이미 10세기부터 발전시켜 온 도자기 제조의 전통을 주목하고 기억해주어야 한다. 일본에서는 16세기말, 유럽에서도 18세기에나 가능했던 도자기 제조기술을 갖고 뛰어난 예술품들을 만들어낸 한국의 도자전통은 20세기 초 일본의 지배를 받으면서 그 명맥이 잠시 흐려졌으나 20세기 후반에 많은 한국 도예인들의 노력에 의해 다시 살아났다.
여기에서 우리는 현대 일본의 도예에 관해서도 새로운 시각을 가질 필요가 있다. 1950년 11월 프랑스 파리의 체르누스키 미술관에서는『현대일본도예전』이 열려 당시 일본을 대표하는 작가 49명의 작품 71점이 몇 달 동안 열려 프랑스인들의 호평을 받았고 당시 전시장을 들른 파블로 피카소의 강력한 요청으로 그의 도자작업장이 있는 남프랑스의 발로리스에서 1951년 7월부터 2개월 동안 전시회를 가졌는데 이 때에 피카소 자신도 40여점을 함께 전시해 화제가 되었다는 사실이 있다. 그런데 이 전시회에 출품한 北大路 魯山人(1883~1959), 河井寬太郞(1890~1966), 富本憲吉(1886~1963) 등의 도예작가들이 대부분 한국의 옛 도자기 가마를 방문해 한국의 도자기 제조법을 다시 연구했고 한국작품의 영향을 그들의 작품 속에 짙게 남겼다는 사실이다. 1950년을 전후해서 도자기에 심취했던 파블로 피카소가 일본 현대도예에 깊은 관심을 보이고 그 도자기 작품의 문양과 회화에 일본으로부터 흡수한 흔적을 남겼던 만큼 한국의 도자예술이 피카소에까지 이어졌다는 분석도 가능하다.
그러므로 이번 유네스코 본부에서 열리는 한국 도예가 신경균의 작품전은 한국 도자예술의 긴 역사를 더듬는 기회이며, 현대 일본의 도자예술의 원류로서의 한국도예의 기술과 예술적 성취를 세계에 알리는 드문 자리이기도 하다. 특별히 중요한 것은 신경균의 작품이 모두 한국의 도예가들이 천 여년의 긴 시간 동안 발전시켜왔던 장작 가마, 곧 소나무(pine tree)만을 땔감으로 해서 등요(登窯, nobori-kiln)에서 전통기법 그대로 구워낸 작품이라는 점이다. 한국의 도자기 산업이 일찍 발달할 수 있었던 것은 바로 한국 어디에나 자생하고 있는 소나무들이 땔감으로 사용되면서 1400도에 이르는 고열을 얻을 수 있었기 때문이다. 일본에서 17세기 초에 도자기산업이 태동한 것도 앞에서 언급한 것처럼 일본으로 끌려간 한국의 도예공들이 일본의 토양에서 한국에서와 같은 고령토를 찾아내어 이를 빚은 후 한국에서와 같은 소나무로 고열을 얻을 수 있게 된 이후라는 점이 이를 말해준다.
오늘날 중국이나 일본, 그리고 한국의 대부분의 도예작업장에서는 전통적인 장작 가마를 포기하고 개스나 전기에 의해 고열을 얻는 방식이 쓰여지고 있다. 그것은 전통적인 장작 가마가 불의 온도에 의해 제대로 작품으로 성공해 나오는 비율이 엄청 낮은 반면에 개스나 전기를 통한 작업은 고열을 안정적으로 얻을 수 있고 그것으로서 도자기 작품의 성공률이 높아 대량으로 생산할 수 있기 때문이다. 그러다보니 장작을 사용하는 전통적인 제작기법이 없어져가고 있기에 신경균의 도예작업은 천 년 이상된 동아시아 도자제조전통의 보존이라는 측면에서도 아주 중요한 의미가 있다.
1910년 일본이 우리나라를 합병한 후에 가장 중점을 두고 한 일이 경기도 광주 이천 일대에 남아있던 조선 정부가 운영하던 가마터인 분원(分院)을 파괴하는 것이었다. 일본은 한국을 침략한 이후 한국 도자예술의 세계를 흡수해 자신들의 것으로 세계에 알리는 과정에서 그 뿌리가 한국이라는 점을 알리기가 싫었을 것이다. 그러기에 일본의 통치하에서 우리나라 도자 장인들은 단순히 식기 등 생활그릇 만드는 수준으로 전락해, 조선시대의 그 뛰어난 예술의 명맥이 실종되는 상황이 왔다. 이러한 상황에서 조선시대 도자예술을 다시 찾아낸 사람이 신경균의 부친인 아버지 신정희(1938~2007) 씨이다.
그의 셋째 아들인 신경균은 나이 열다섯에 경남 양산 통도사 인근에 있는 부친의 작업장에서 발물레를 차기 시작했다. 발물레가 당시 소년의 체구에게는 너무 커서 발을 뻗어가며 억지로 물레질을 하니 숨이 가쁘고 땀이 흥건한 데 아버지는 이를 주기적으로 시키면서 어린 아들이 도예의 기본인 물레에서부터 철저하게 몸으로 배우도록 배려를 했다. 아버지는 아들들에게 도자기에 관한 모든 것을 처음부터 끝까지 배우도록 했고, 물레질에서부터 유약만들기, 유약 담그기, 그리고 가장 힘든 불 넣기 등 그가 복원한 한국의 전통 장작가마 기법을 철저하게 전수했다. 초벌을 위해 작은 그릇들을 수없이 만들도록 한 뒤 초벌에서 나오면 그 중의 9할은 어디가 잘못됐다. 왜 이리 여기가 두꺼운가? 여기는 더 도톰하게 해야 한다는 등 하나하나 이유를 대며 깨어버리셨다고 한다. 그러면 다시 초벌에서부터 시작을 해야 한다. 그 지리한 과정을 다시 반복해야 하니 힘은 힘대로 든다. 그렇게 수없이 흙을 빗고 형태를 만들고 하는 과정에서 배우고 태어난 그의 도자기들은 가장 세련된, 성숙된 형을 찾았고 두께와 느낌을 가장 최적의 상태로 빚어낼 수 있었다고 신경균은 회고한다.
신경균의 도자예술은 그러나 뼛속부터 선대로부터 배웠지만 전통장인의 세계에 머무르지 않는다. 그는 전통은 한국인이란 몸의 바탕이지만 옛 얼굴 그대로를 다시 만들고 보여주는 것은 예술이 지향하는 바가 아니라며, 기존의 관념을 깨는 과감한 시도를 분청과 흑유, 철화, 텀벙 등의 기법, 그것을 단독 또는 혼합, 혹은 융합을 통해 새 기형과 새 표면과 새 색, 새 빛으로 빚어낸다. 덜 정제된 흙 속에는 듬성듬성 작은 결정들이 그대로 남아있는데 이것들이 맹숭맹숭할 수 있는 도자기의 피부에 생명을 불어넣기도 한다. 그리고 그 위에 과감한 붓질로 때로는 하늘을 마음껏 다니는 구름을 그려놓기도 하고, 발묵기법의 동양화 추상의 세계를 항아리(大壺)나 대발(大鉢), 큰 접시(大皿, 大盤) 위에 쏟아내기도 한다.
그러므로 한국 도예가 신경균의 유네스코 본부전시회는 16세기 말 자기 제조기술이 일본으로 건너가기 전까지 세계 최고의 예술적 작품을 만들어 온 한국의 전통 도예가 처음으로 유럽과 세계에 본격 소개되는 자리이다. 한국의 두번째 대도시 부산 인근 기장군에서 장안요를 운영하는 도예가 신경균 씨는 한국에서 높은 평가를 받아, 2005년 11월 부산에서 열린 에이펙(APEC), 곧 아시아 태평양 정상회의의 공식회의장인 해운대 누리마루의 장식예술품으로 초대돼 각국의 정상들에게 한국도자의 멋을 전하기도 했다. 신경균 씨는 가스나 전기 등을 이용한 도자기 제조법이 도자기의 표현세계를 넓혔지만 한국의 전통장작가마에서 나오는 부드럽고 깊고 은은한 도자예술의 세계는 따라올 수 없다며 한국의 전통적인 제조기법을 보존하면서도 한국적인 아름다움을 현대적인 감각을 담아서 세계인들에게 당당히 보여주고 싶다고 전시회의 포부를 밝혔다.
Bowls that were designed to contain food have been an essential tool for survival since humans started living on the earth. As bowls became aesthetic objects, they were evaluated differently depending on their raw materials. Wouldn’t porcelain(also known as China or Fine China) with its finer qualities, naturally come to be favored over bowls made of wood or metal? Earthen bowls, reborn from earth as a firmer, cleaner, and more expressive bowl by fire, began to be recognized as a humane and human-friendly object. It did not rot like wood nor have the cold touch of metal. Rather, it had a clear and glossy surface much like human skin.
Although many countries had been developing pottery, porcelain techniques developed during the Tang dynasty (618 to 907) between the 9th and 10th century can still be considered as one of the most significant turning points that effectively changed the world’s cultural map. If the original form of a bowl, made of kaolin, is fired at a high temperature between 1,200 °C (2,192 °F) and 1,400 °C (2,552 °F), it becomes a firm, strong, and transparent porcelain with a glossy surface that changes to hyaline. It is this particular characteristic that differentiates it from other forms of pottery. As a result of their incomparable, outstanding quality and artistic beauty, these works of art were highly valued and transported to Arabia. In China, porcelain techniques exponentially developed during the Song dynasty which followed the Tang dynasty. Celadon pottery was then consequently developed in Korea, adjacent to China and quickly became a highly recognized product all over the world.
From the moment the ‘Fonthill Vase’ was received by King Louis of Hungary in 1338, European people became fascinated with these works of art. Due to the difficulty in obtaining these beautiful artworks due to their extremely high prices, Europeans aggressively sought ways to reproduce them in their own countries. The Germans finally achieved some measure of success in the early 18th century. Ehrenfried Walther von Tschirnhaus, who lived in Sachsen, Germany, succeeded in making strong and transparent white ceramics by mixing earth with clay, alabaster, and kaolin extracted from the Sachsen Mine in Choltitz in 1708. As expected, this highly sought after technique has been kept strictly confidential to this very day.
Although Korea was able to both make porcelain for its royal families and export it to other countries by the 10th century, its neighboring country, Japan, did not have these state-of-the-art porcelain techniques. By that point, Japan was only capable of making the initial type of porcelain. As the Goryeo dynasty emerged following the Shilla dynasty in the late 10th century, porcelain techniques continued to develop and as a result, exquisite and elegant celadon products were being made. After the technique was finally picked up in Japan, many Japanese people became interested in the tea ceremony and subsequently gained a high level of respect for these works of art. Japan, however, did not learn these techniques though independent development, but rather extorted them during the Seven Year War in 1592, when Japan invaded their neighboring country, Korea (Chosun at that time), and kidnapped hundreds of Korean potters.
During this war, Japan hauled an estimated 50,000 to 200,000 Koreans to Japan as slaves, with scholars and potters all among those who were captured. The greatest of the Korean potters, Yi Sam-pyeong (1579 to 1655), was also abducted by the army of Toyotomi Hideyoshi. After he was taken to the Saga Domain in Kyushu of Japan with his family, he began travelling all around Japan. When he finally discovered kaolin, Yi Sam-pyeong settled down and began making porcelain once again. This area, Arita-yaki, later became the center of ceramics production in Japan. White and blue porcelain products produced in this area were exported to as far as Europe and grew in popularity.
The Daimyo of Satsuma Domain also hauled potters from Korea in order to make ceramics. In the Satsuma Domain where the lord lived, the potters made finely cracked and colorful porcelain products with gilded edges, otherwise known as Satsuma Yaki.
After ceramic production began in Japan, the demand for ceramics rapidly increased. Ceramics kilns were built in many areas of Japan, with numerous potters tasked with producing a variety of porcelain works. After these ceramics were exported to Europe, they competed with Chinese ceramics and continued to garner tremendous popularity.
Ultimately, the popularity of Japanese pottery in Europe and all over the world draws from the hardship and efforts of hundreds of potters abducted from Korea. No one can of course deny the contribution Japan has also made to the development and worldwide spread of pottery by treating these Korean potters well and encouraging them to create more beautiful works of art.
In this respect, the worldwide community should also recognize and remember the tradition of pottery making that has been developed by Korea since the 10th century. The tradition of outstanding Korean pottery making based on state-of-the-art techniques, which were only available in Japan by the 16th century and only in Europe by the 18th century, barely survived the Japanese colonial era in the early 20th century. These techniques, however, were thankfully revived due to the efforts of many Korean potters in the late 20th century.
With this wider understanding of the history of ceramics, we need to develop a new perspective on contemporary Japanese pottery. In November 1950, the “Exhibition of Modern Japanese Ceramics” was held at the Cernuschi Museum in Paris, France, with 71 works from 49 representative Japanese artists on display, earning favorable reviews from the French public over several months. At the request of Pablo Picasso, who visited the exhibition, it was held once again in Vallauris, Southern France, where his own pottery workshop was located, for another two months from July 1951. It became a sensation because he displayed 40 pieces of his own work together with the exhibit. Of particular significance, however, are the potters who displayed their works in this exhibition. Kitaoji Rosanjin (1883 to 1959), Kawai Kanjiro (1890 to 1966), and Tomimoto Kenkichi (1886 to 1963) were all among the representative artists and have all visited old pottery kilns in Korea to study Korean pottery making techniques. Influences of Korean pottery can be seen throughout their work. As a result, Pablo Picasso who was fascinated with ceramics around 1950 and had great interest in modern Japanese ceramics, has left a trail of Japanese pottery influences in his ceramics and paintings. Consequently, it can be said that Korean pottery traditions can also be found in his works.
Therefore, the Shin Kyung-gyun Ceramics Exhibition to be held at the UNESCO Headquarters is a rare chance to spread the outstanding techniques and artistic achievement of Korean pottery as the origin of modern Japanese ceramics. It is additionally a good opportunity to take a look behind the long history of Korean pottery.
It is notable that all the works of Shin Kyung-gyun were baked in a nobori-kiln using kiln firewood and using only pine trees through a traditional method that has been developed by Korean potters over a thousand years. The reason why the Korean ceramics industry developed so early is because these potters could easily obtain high temperatures of almost 1,400 °C by using the pine trees that grew all over Korea as firewood. The ceramics industry in Japan, in fact, only began to be promoted in the early 17th century after Korean potters taken to Japan, found the same kaolin there and began making pottery. They consequently taught Japanese potters how to obtain those high temperatures using pine trees.
In most pottery workshops in China, Japan, and Korea these days, high temperatures are obtained using gas or electricity, rather than using traditional kilns. This is because ceramics can be mass produced at stable high temperatures from gas or electricity. Large scale production isn’t practical for traditional kilns since controlling fire temperature is quite difficult. Consequently, as we move to more modern methods, the traditional pottery making technique of using firewood is disappearing. That is why the works of Shin Kyung-gyun have a very significant meaning in terms preserving East Asia’s, over thousand year old, pottery making tradition.
Upon occupying Korea in 1910, the Japanese forces were quick in destroying Bunwon, a Chosun government-run kiln site in Icheon, Gwangju Gyeonggi-do. Following the invasion, and the introduction of Japanese ceramics around the world, Japan may have wanted to conceal the Korean origin of their ceramics. Korean pottery master craftsmen were limited to making tableware-like bowls or dishes under Japanese colonial rule, threatening the tradition of outstanding art from Chosun. The person who rediscovered Chosun pottery again under these circumstances was Shin Jeong-hee (1938 to 2007), the father of Shin Kyung-gyun.
Shin Kyung-gyun, the third son of Shin Jeong-hee, began to turn a foot-driven spinning wheel at the age of fifteen, at his father’s workshop located near the Tongdosa Temple, Yangsan, Gyeongsangnam-do. Since the spinning wheel was too big, he was out of breath and often completely drenched in sweat when he turned the spinning wheel. His father nevertheless had him practice it regularly so that he would naturally learn the basis of pottery making. Shin Jeong-hee encouraged his sons to learn everything about ceramics from beginning to end and handed down all the Korean traditional kiln techniques he restored, including spinning, glaze making, glaze dipping, and firing, the most difficult technique of them. He was a strict teacher having his sons make numerous small bowls for a bisque firing and then breaking 90% of them with reasons like “It is too thick”, “It should be thicker”, or “This part is not good”. His sons then had to start from scratch agan for a bisque firing, so it must have been very difficult to repeat such a tedious process. Shin Kyung-gyun says he however became capable of creating the most sophisticated and elegant shapes of ceramics with the optimal thickness and touch as a result of making pottery countless times through his childhood.
Although Shin Kyung-gyun learned pottery from his father, he has not just settled for preserving traditions. He believes that tradition is a strong basis for the Korean people, but it is not the best course of action to just reproduce old things for the sake of art. He isn’t afraid of new experiments that break existing concepts, as well as trying new formats, surfaces, colors, and lights through the use of buncheong, heukyu, cheolhwa, and deombeong techniques or a fusion of them. Small crystals sparsely left in barely refined soil can sometimes even infuse life into the surface of ceramics, which might otherwise be too simple in appearance. He sometimes draws clouds in the sky with his bold strokes or even leaves the abstractive spirit of Oriental paintings on pots, big bowls, or big plates using PoMo (splashing ink) techniques.
The Shin Kyung-gyun Ceramics Exhibition to be held at the UNESCO Headquarters will introduce the traditional pottery of the Korean people, who used to make the world’s best works of pottery before their porcelain techniques were handed to Japan in the late 16th century, to Europe and then to the world for the first time. The highly praised works of Potter, Shin Kyung-gyun who is running the Jangan Kiln in Gijang-gun near Busan, Korea’s second largest city, were displayed at the Nurimaru APEC House, located near Haeundae Beach, presenting the charms of Korean pottery to global leaders. This was the official conference hall of the APEC Conference held in November 2005.
Shin Kyung-gyun said that it is true that current ceramics manufacturing techniques that use gas or electricity extend the expressive methods of ceramics, but they can’t, however, reproduce the soft and delicate sensations of pottery made in a traditional Korean kiln. He expresses his aspirations that he wants to introduce the beauty of traditional Korean ceramics harmonized with a contemporary feel to the world.
Former Head of KBS Commentary Office & Artist