도자예술은 흙과 불의 예술이며 한 나라의 역사에 깊은 뿌리를 둔 예술이다. 도자예술은 또한 장인이며 철학자이며 동시에 시인인 한 예술가의 개인적인 인생길이다. 신경균은 특별한 선택을 통해 한국의 전통을 현대에 적용하고 있다. 그의 현대화 작업은 가장 마지막의 왕조인 ‘조용한 아침의 나라’ -조선왕국(1392~1910)의 도자기들에서 영감을 받고 있다. 그 때는 조선왕국이 중국과 유교의 그늘 아래서 가장 이상적인 왕국으로 우뚝 서 있을 때였다. 그는 찻사발(茶碗)과 분청(粉靑)이라는 15-16세기 한국의 전형적인 도자기법에 주력한다. 분청은 고려청자처럼 재료의 예술이고 자연의 예술이고 기본재료도 거기서 오지만 고려청자가 부드러운 것과는 달리 분청은 엄격하면서도 보다 자유로운 창작미에다 또 추상미를 보여주고 있다(이 미학이 일본을 매료시켰고, 이런 찻사발의 원조 도공들이 토요터미 히데요시 시대 때 일본으로 끌려가게 된 이유이며 요즈음에도 그러한 찻사발들이 숭배되고 있다). 신경균은 17세기의 단색(백자) 도자기도 추구한다. ‘달항아리’라고 부르는, 좀 편한 형태이지만 완전히 하얀 이 항아리들은 굽는 과정에서 자연적으로 생긴 얼룩들과 제멋대로 생긴 탈색현상으로 해서, 마치 서예로 멋대로 백지 위에 쓴 시와 같이, 실제 풍경이나 하늘의 구름을 연상시키고 있어 사람들이 그 속으로 빠져들거나 때로는 탈출하고 싶도록 한다.
그렇지만 도예는 유학자들의 예술은 아니다. 기술이 필요하고 몸을 써야 하는 예술이다. 도예가들은 이 재료, 그리고 세상의 가장 기본적인 요소들과 싸워야 한다. 한 치의 실수나 회피, 속임이 허용되지 않는다. 그러기에 완벽한 숙련과 재료들에 관한 과학적 지식, 또한 그가 그러한 재료들을 어떻게 다루고 어떻게 이끌어가는 줄을 알고 있으면서도 자신을 버리고 자신보다 더 거대한 힘을따를 줄 아는 겸손도 필요하다. 신경균은 바로 이런 예술을 형태에 대한 감각, 재료들의 미묘한 차이에 대한 감각으로 접근한다. 그는 순백을 즐겨 다루며, 때때로 흑백의 매우 추상적인 유약효과를 노린 것 이외에는 아무런 장식도 없다.
그의 작품은 중국풍 혹은 산화철로 그린 17세기 조선시대의 자기(瓷器)에서 볼 수 있는 구름 속의용의 이미지와는 거리가 멀다. 그의 작품 속에서는 그가 해방시킨 재료들의 있는 그대로의 아름다움이 있고, 또는 반대로 재료들을 얼어붙게 함으로서 두꺼운 화장토로 손을 대거나 바르지 않고 재료들을 눈으로 곧바로 느낄 수 있다.
그의 찻사발에는 한편으로는 호주의 오팔에서처럼 투명한 유약의 무한한 색조들을 엿볼수 있으면서 다른 한편으로는 회색, 보라색 또는 철의 녹슨 색들이 변화하는 것들을 한꺼번에 볼 수 있다. 어떤 찻사발에서는 조선시대의 도자기파편에서 보이는 백자라던가 금색, 혹은 거친 표면 등을 동시에 볼 수 있는데, 이런 것들은 일본에서 네즈 미술관이나 또는 고토 미술관 같이 드러나지 않지만 영향력이 강한 연구기관들이 숭배하는 것이다.
작품을 통해, 신경균은 그의 나라의 아름다움을 노래한다. 그 나라는 클로델이 말하는 위대한 공간의 나라로서, 그가 황금의 정원처럼 묘사한 일본과는 다른 공기가 흐르고 있고, 창세기의 원초적인 힘들이 남아있는 땅이다. 신경균은 한국에서 왔다. 그의 고향은 화가 이성자처럼 한반도 남쪽에 위치한 경상남도 진주이다. 가야와 신라의 옛 땅이었던 이 지역은 양반의 전통이 강한 한국에서도 심장부이다. 전라남도처럼 봄에는 벚꽃이 만발하고 차밭이 많이 있다. 조선시대에 일본에 개항을 했던 부산과도 바로 이웃하고 있다. 이 남쪽지역은 유라시아대륙의 끝이어서 한국의 땅이 바다와 산 가운데에 연이은 섬들, 바위와 안개 속으로 끝난다. 이곳에서 영원한 도자기는 곧 이 땅의정체성이다. 신경균의 도예작품들은 이 예술에 필요한 모든 요구조건을 충족시키면서도 진정성과 활력이 유지되고 있고, 오늘날의 도자예술의 존재이유를 모두 보여주면서 화제를 몰고 오고 있다.
Ceramic art is an art of earth and fire, an art that is deeply rooted in the history of a country; it is also a personal route, the route of an artist who is both a craftsman, a philosopher and a poet. Shin Gyung Kyun adapts the tradition of Korea according to specific choices. While renewing it, he is inspired by the pottery of the last dynasty, the Joseon Dynasty (1392-1910), “the land of clear morning”, and refers to the period when the kingdom stood as an ideal land in the shade of China and Confucianism. He chooses tea ceramics and buncheong production, a typical ceramics from the 15th-16th centuries in Korea combining rigor, invention and a sense of abstraction, far from the Goryeo celadon softness, even if an art of the material, an art of nature and raw elements come from it (Japan was fascinated by this aesthetic and this explains the transfer of Korean ceramists who are at the origin of this tea pottery, in the Japanese archipelago in the time of Hideyoshi, where even today, tea pottery is still worshipped). Shin Gyung Kyun also chooses the monochrome ceramics from the 17th century. These jars with loose forms and perfect whiteness called “moon jars” have natural stains and random discolorations due to firing accidents, thus suggesting real landscapes or a sky with clouds where one likes to get lost or perhaps to escape, just like a poem calligraphed freely on a white paper background.
The ceramic art, however, is not a well-read art. The art is both very technical and very physical too, the artist confronts with the material, with the most basic forces of the world, without the slightest possibility to make a mistake, to dodge or to cheat, and for that, it requires a flawless mastery, a science of the elements and also a humility where man knows how to withdraw himself and be guided by forces that are often beyond him, even though he knows how to play with them in his own way and channel them. Shin Gyung Kyun approaches this art with the sense of form, the taste of materials. He plays with purity and the absence of any decoration except when carried away by glaze effects that play with black and white in a very abstract way.
It is a distant reminder of potteries from China, or of these images of dragons lost in the clouds that can be found on 17th-century Joseon porcelain, painted in underglaze iron oxide. In his work, only emanates the beauty of a material that he lets free as it is, or on the contrary, that he imprisons almost systematically, a raw material, without touch up or covered with a thick creamy very simple slip, that the eye could almost touch.
His Sabal (Tea Bowl)s offer, on one hand infinite shades of a translucent glaze like Australian opals, and on the other hand, a whole set of variations on gray, purple or rust. In some bowls, he can find, almost identically, the white glaze and the golden color, the lumpy side of the pieces from the Joseon period that are worshipped in Japan, in secret and demanding institutions like the Nezu or Gotô museum.
Through his work, Shin Gyung Kyun sings the beauty of his homeland, the one with great spaces according to Claudel, where the air flows unlike Japan that he describes like a golden garden, but it is also the land of essential forces in a primary universe. Shin Gyung Kyun comes from Korea. He is also from Gyeongsangnam-do province, from the city of Jinju in the South of the peninsula, like artist Rhee Seund-ja. It is the ancient region of Gaya and Silla, the heartlands of Korea, the region of yangban tradition. But it is also the region of cherry blossoms in spring, of tea plantations, like Cholla-namdo, a region next to Busan opened to Japanese trading under the Joseon period. This is the Southern region, the extreme point of Eurasia, where Korea gets lost between sea and mountains, in a series of islands, rocks and mist, where the eternal ceramics are an identity. The whole art of Shin Gyung Kyun consists in succeeding to maintain the requirement, to keep all the truth and the vitality, to show all the topicality and the need of ceramics in today’s world.
Paris, March 7, 2014.
뻬에르 깜봉 / 기메미술관 수석 큐레이터
Pierre Cambon /
Chief Curator at Guimet Museum & Artist
도자예술은 흙과 불의 예술이며 한 나라의 역사에 깊은 뿌리를 둔 예술이다. 도자예술은 또한 장인이며 철학자이며 동시에 시인인 한 예술가의 개인적인 인생길이다. 신경균은 특별한 선택을 통해 한국의 전통을 현대에 적용하고 있다. 그의 현대화 작업은 가장 마지막의 왕조인 ‘조용한 아침의 나라’ -조선왕국(1392~1910)의 도자기들에서 영감을 받고 있다. 그 때는 조선왕국이 중국과 유교의 그늘 아래서 가장 이상적인 왕국으로 우뚝 서 있을 때였다. 그는 찻사발(茶碗)과 분청(粉靑)이라는 15-16세기 한국의 전형적인 도자기법에 주력한다. 분청은 고려청자처럼 재료의 예술이고 자연의 예술이고 기본재료도 거기서 오지만 고려청자가 부드러운 것과는 달리 분청은 엄격하면서도 보다 자유로운 창작미에다 또 추상미를 보여주고 있다(이 미학이 일본을 매료시켰고, 이런 찻사발의 원조 도공들이 토요터미 히데요시 시대 때 일본으로 끌려가게 된 이유이며 요즈음에도 그러한 찻사발들이 숭배되고 있다). 신경균은 17세기의 단색(백자) 도자기도 추구한다. ‘달항아리’라고 부르는, 좀 편한 형태이지만 완전히 하얀 이 항아리들은 굽는 과정에서 자연적으로 생긴 얼룩들과 제멋대로 생긴 탈색현상으로 해서, 마치 서예로 멋대로 백지 위에 쓴 시와 같이, 실제 풍경이나 하늘의 구름을 연상시키고 있어 사람들이 그 속으로 빠져들거나 때로는 탈출하고 싶도록 한다.
그렇지만 도예는 유학자들의 예술은 아니다. 기술이 필요하고 몸을 써야 하는 예술이다. 도예가들은 이 재료, 그리고 세상의 가장 기본적인 요소들과 싸워야 한다. 한 치의 실수나 회피, 속임이 허용되지 않는다. 그러기에 완벽한 숙련과 재료들에 관한 과학적 지식, 또한 그가 그러한 재료들을 어떻게 다루고 어떻게 이끌어가는 줄을 알고 있으면서도 자신을 버리고 자신보다 더 거대한 힘을따를 줄 아는 겸손도 필요하다. 신경균은 바로 이런 예술을 형태에 대한 감각, 재료들의 미묘한 차이에 대한 감각으로 접근한다. 그는 순백을 즐겨 다루며, 때때로 흑백의 매우 추상적인 유약효과를 노린 것 이외에는 아무런 장식도 없다.
그의 작품은 중국풍 혹은 산화철로 그린 17세기 조선시대의 자기(瓷器)에서 볼 수 있는 구름 속의용의 이미지와는 거리가 멀다. 그의 작품 속에서는 그가 해방시킨 재료들의 있는 그대로의 아름다움이 있고, 또는 반대로 재료들을 얼어붙게 함으로서 두꺼운 화장토로 손을 대거나 바르지 않고 재료들을 눈으로 곧바로 느낄 수 있다.
그의 찻사발에는 한편으로는 호주의 오팔에서처럼 투명한 유약의 무한한 색조들을 엿볼수 있으면서 다른 한편으로는 회색, 보라색 또는 철의 녹슨 색들이 변화하는 것들을 한꺼번에 볼 수 있다. 어떤 찻사발에서는 조선시대의 도자기파편에서 보이는 백자라던가 금색, 혹은 거친 표면 등을 동시에 볼 수 있는데, 이런 것들은 일본에서 네즈 미술관이나 또는 고토 미술관 같이 드러나지 않지만 영향력이 강한 연구기관들이 숭배하는 것이다.
작품을 통해, 신경균은 그의 나라의 아름다움을 노래한다. 그 나라는 클로델이 말하는 위대한 공간의 나라로서, 그가 황금의 정원처럼 묘사한 일본과는 다른 공기가 흐르고 있고, 창세기의 원초적인 힘들이 남아있는 땅이다. 신경균은 한국에서 왔다. 그의 고향은 화가 이성자처럼 한반도 남쪽에 위치한 경상남도 진주이다. 가야와 신라의 옛 땅이었던 이 지역은 양반의 전통이 강한 한국에서도 심장부이다. 전라남도처럼 봄에는 벚꽃이 만발하고 차밭이 많이 있다. 조선시대에 일본에 개항을 했던 부산과도 바로 이웃하고 있다. 이 남쪽지역은 유라시아대륙의 끝이어서 한국의 땅이 바다와 산 가운데에 연이은 섬들, 바위와 안개 속으로 끝난다. 이곳에서 영원한 도자기는 곧 이 땅의정체성이다. 신경균의 도예작품들은 이 예술에 필요한 모든 요구조건을 충족시키면서도 진정성과 활력이 유지되고 있고, 오늘날의 도자예술의 존재이유를 모두 보여주면서 화제를 몰고 오고 있다.
Ceramic art is an art of earth and fire, an art that is deeply rooted in the history of a country; it is also a personal route, the route of an artist who is both a craftsman, a philosopher and a poet. Shin Gyung Kyun adapts the tradition of Korea according to specific choices. While renewing it, he is inspired by the pottery of the last dynasty, the Joseon Dynasty (1392-1910), “the land of clear morning”, and refers to the period when the kingdom stood as an ideal land in the shade of China and Confucianism. He chooses tea ceramics and buncheong production, a typical ceramics from the 15th-16th centuries in Korea combining rigor, invention and a sense of abstraction, far from the Goryeo celadon softness, even if an art of the material, an art of nature and raw elements come from it (Japan was fascinated by this aesthetic and this explains the transfer of Korean ceramists who are at the origin of this tea pottery, in the Japanese archipelago in the time of Hideyoshi, where even today, tea pottery is still worshipped). Shin Gyung Kyun also chooses the monochrome ceramics from the 17th century. These jars with loose forms and perfect whiteness called “moon jars” have natural stains and random discolorations due to firing accidents, thus suggesting real landscapes or a sky with clouds where one likes to get lost or perhaps to escape, just like a poem calligraphed freely on a white paper background.
The ceramic art, however, is not a well-read art. The art is both very technical and very physical too, the artist confronts with the material, with the most basic forces of the world, without the slightest possibility to make a mistake, to dodge or to cheat, and for that, it requires a flawless mastery, a science of the elements and also a humility where man knows how to withdraw himself and be guided by forces that are often beyond him, even though he knows how to play with them in his own way and channel them. Shin Gyung Kyun approaches this art with the sense of form, the taste of materials. He plays with purity and the absence of any decoration except when carried away by glaze effects that play with black and white in a very abstract way.
It is a distant reminder of potteries from China, or of these images of dragons lost in the clouds that can be found on 17th-century Joseon porcelain, painted in underglaze iron oxide. In his work, only emanates the beauty of a material that he lets free as it is, or on the contrary, that he imprisons almost systematically, a raw material, without touch up or covered with a thick creamy very simple slip, that the eye could almost touch.
His Sabal (Tea Bowl)s offer, on one hand infinite shades of a translucent glaze like Australian opals, and on the other hand, a whole set of variations on gray, purple or rust. In some bowls, he can find, almost identically, the white glaze and the golden color, the lumpy side of the pieces from the Joseon period that are worshipped in Japan, in secret and demanding institutions like the Nezu or Gotô museum.
Through his work, Shin Gyung Kyun sings the beauty of his homeland, the one with great spaces according to Claudel, where the air flows unlike Japan that he describes like a golden garden, but it is also the land of essential forces in a primary universe. Shin Gyung Kyun comes from Korea. He is also from Gyeongsangnam-do province, from the city of Jinju in the South of the peninsula, like artist Rhee Seund-ja. It is the ancient region of Gaya and Silla, the heartlands of Korea, the region of yangban tradition. But it is also the region of cherry blossoms in spring, of tea plantations, like Cholla-namdo, a region next to Busan opened to Japanese trading under the Joseon period. This is the Southern region, the extreme point of Eurasia, where Korea gets lost between sea and mountains, in a series of islands, rocks and mist, where the eternal ceramics are an identity. The whole art of Shin Gyung Kyun consists in succeeding to maintain the requirement, to keep all the truth and the vitality, to show all the topicality and the need of ceramics in today’s world.
Paris, March 7, 2014.
Chief Curator at Guimet Museum & Artist