나는 한중일 아시아 삼국의 도자기를 비교한 유종열의 높은 안목에 토를 달고 싶은 생각은 없다. 중국의 도자기가 듬직한 형태미에 있고 일본의 도자기가 아기자기한 색채에 있는 것도 사실이다. 그리고 청자이든 백자이든 한국의 도자기가 약간 이지러진 듯싶은 그 가냘픈 선(線)에 있다는 말을 부정하고 싶은 생각도 없다.
더구나 한국의 도자기가 왜 그토록 아름다운 가를 설명하는 대목에서 “불규칙 가운데 규칙이 있고 미완성 가운데 완성의 흐름이 있기 때문이다.”라고 한 말에 대해서 그리고 “불규칙을 동반하지 않는 규칙은 기계에 지나지 않고 규칙을 간직하지 않는 불규칙은 문란에 지나지 않는다.”고 덧붙인 말에 대해서는 박수를 보내고 싶다. 일본의 많은 작품들이 “완성을 지향하고자하는 버릇 때문에 이따금 생기를 잃고 만다.”는 자기 반성의 말에 이르러서는 존경심까지 우러난다.
그러나 신경균의 도자기를 보기 전까지는 이러한 말들을 단순한 도자기 공식으로 머리에 익혀 둔 것뿐이라는 사실도 솔직히 고백하지 않을 수 없다. 실제로 도자기의 형과 색과 선이 어떠한 것인지 삼국의 도자기의 특성과 차이를 체감할 만한 기회도 갖지 못하고 있었다. 그런데 우연히도 신경균의 도자기를 대하는 순간 한국의 도자기가 지닌 특성은 단순한 선의 예술만이 아니라는 사실에 눈을 떴다.
그 도예품에는 이른바 중국적인 형, 일본적인 색을 모두 포함하고 있었으며 그 통합된 도자기의 예술적 특성 안에서만 한국 특유의 선의 예술이 나온다는 것도 몸으로 느낄 수가 있었다. 한마디로 선은 형과 색과 비교 되는 것이 아니라 그 모든 것을 통합한 뒤에야 얻어지는 결과물이라는 것에 대해서 확신을 갖게 된 것이다.
무엇보다 달 항아리의 허리를 잘라 두 동강을 낸 것 같은 커다란 백자 사발을 한 번 봐주기를 바란다. 그 묵직한 볼륨과 당당한 형태감은 중국도자기의 형을 압도한다. 동시에 신경균의 찻잔을 보라. 그 오묘한 유약의 흐름에서 배어나오는 색채감 그리고 도자기의 깔끔한 결은 일본인들의 특성이라는 색채 예술을 무색하게 한다.
두말 할 것 없이 전통적인 조선조 백자의 특성을 그대로 살린 자연스럽고 약간 이운 그 도자기의 윤곽선과 그 몸체의 실루엣은 선의 예술이 보여주는 극한이라고 할 수 있다.
한마디로 신경균의 도자기 문화는 한국도자기는 선이 아니라 형과 색과 선의 모든 아름다움을 어우르고 통합한 데 있다는 것을 보여준다. 어떻게 한 장인의 손에서 여성적인 섬세한 아름다움과 동시에 남성적인 당당한 역동감을 함께 느낄 수 있는가. 생물이라면 아마도 양성구유라고 부를 수 밖에 없는 희귀한 존재감이다.
그런데 신경균의 도자기는 보는 것만으로는 충분히 감상을 했다고는 말할 수 없다. 도자기의 최종적인 미학은 바로 촉각이기 때문이다. 물레의 회전과 손의 감촉에서 태어난 둥근 흙의 형태는 새의 둥지이며 작은 하늘이다. 하지만 그것은 단순히 손과 흙이 접촉할 때 생기는 그 이상의 부드러움도 견고함도 아니다. 달 항아리를 반쪽 낸 것 같은 백자 사발을 잡는 손은 이미 흙의 감촉이 아니라 감전이고 진동하는 교감이다.
눈으러 보고 귀로 듣는 아름다움에 더 이상 만족하지 않고 그 이상의 어떤 것을 구하기 위해 허공을 더듬던 손에 잡힌 달빛인 것이다. 정확하게 말하자면 그냥 달빛이 아니라 하늘에서 내려온 우주의 작은 파편이다. 묵직한 중량감을 느끼면서도 도자기를 들고 있는 손은 허공에 떠 있는 깃털처럼 가벼워진다.
천리 밖 달의 속살까지 보고 만져볼 수 있는 행운을 누리며 무중력의 백자 사발 안에 들어가 서툰 시 한 수로 화답한다.
이것은 하늘위에 뜬 흰 달이 아니다.
이제 막 산 봉우리에 올라
은하수 물을 길어 오는 백옥의 사발
정화수 보다 맑은 흙과 불의 기도
도공의 가슴이 가마(窯)가 되고
시인의 열정이 불길이 되어
천 번의 밤이 지나도 기울지 않은
달이 되었다.
청화가 파란 호수가 되고
진사가 저토록 고운 노을이 될 줄이야.
도공도 미처 몰랐던 그 많은 색깔들은
모두다 어디에 두고
교교한 달빛만이 남았느냐.
얼마나 간절한 비원이었기에
땅속에 묻어둔 천년의 침향(沈香)이
지금에서야 깨어나 저리도 향기로운가.
달 항아리가 몰래 속마음을 보여주네
백자 사발.
I do not wish to add any comments to the sophisticated taste of Yanagi Muneyoshi, Japanese scholar of aesthetics, who had compared the ceramics of three Asian countries, Korea, China, and Japan. It is true that Chinese ceramics has a certain formative beauty of a heavy build and Japanese ceramics has charming color tones. I do not wish to deny that Korean ceramics seem to have a slightly waning delicate line whether it is celadon or white porcelain.
Moreover, I would like to applaud Yanagi’s descriptions of why Korean ceramics is ever so beautiful when he writes, “There is regularity in the midst of irregularity and flow of perfection in the midst of imperfection.” He also adds, “Regularity that does not accompany irregularity is nothing but machinery and irregularity that does not cherish regularity is nothing but disorder.” There is even a part of me that respects his self-reflective comment on many Japanese works when he writes, “Due to the habit of heading toward perfection, they sometimes lose liveliness.”
To be frank, however, I cannot help but confess that these words were simply memorized in my mind as a formula of ceramics until I viewed Shin Gyung Kyun’s world of ceramics. I never had a genuine opportunity to thoroughly experience the form, color and line of ceramics nor the features and differences among the ceramics of the three countries. But the moment I encountered Shin Gyung Kyun’s ceramics, I realized that the features of Korean ceramics could not be explained simply by the art of lines.
Shin’s pottery included both the so-called Chinese form and Japanese color, and the unique Korean art of lines in the artistic feature of such integrated works of ceramics was palpable. In other words, I felt certain that line cannot be compared with form and color, it is the consequence obtained after all the elements have come together, integrated.
Most of all, I would like to invite you to view the huge white porcelain bowl which looks like a moon jar cut in half. The weighty volume and dignified sense of form surpass the Chinese form of ceramics. Now, take a look at his tea cups. The sense of color that permeates from the mystic flow of the glaze and the clean texture render the Japanese feature of color-oriented art rather insignificant.
The traditional characteristics of Chosun white porcelain definitely come to life true to the original contour of the pottery with a natural wane and the silhouette of the body displaying the extreme art of lines. Shin Gyung Kyun’s ceramics show us that Korean ceramics is not about just the lines but the embodiment of all the beauties of form, color and lines, that is, the synthesis within. How could feminine beauty of subtleness and masculine spirit of dynamic pride both spring from a single artisan’s hand? It comes from the rare existence of androgynous talent.
However, one cannot fully appreciate Shin’s ceramics simply by viewing it because the ultimate aesthetics of ceramics lies in the sense of touch. Born from the turning potter’s wheel and the tactile sensation of the hand, the clay takes the form of the round earth and the bird’s nest and the sky held within. It is not simply the softness and hardness formed when the hand and clay make contact. The hand that molds the white porcelain bowl is not merely touching the clay. It is the communion of electric energy and vibration from the hand.
As the moonlight fumbles around in the void, it is caught by the artisan’s hand to pursue something more than just beauty obtained by sight and sound. To be precise, it is not just any moonlight but a small piece of the cosmos landing from the sky. While feeling the weightiness, the bowl also feels as light as a feather floating in the air in the hand holding it.
I truly feel lucky to have had the opportunity to see and touch the inner skin of the faraway moon, and here my humble poem follows, which sprang from my deep appreciation for the delicate white porcelain bowl.
White moon high in the sky, this is not.
Just now, arriving at the peak of a mountain
The white jade bowl fetching water from the galaxy
The prayer of earth and fire, purer than freshly drawn water
The potter’s chest becomes the kiln
The poet’s passion becomes the flames
A thousand nights
and the moon stayed full, through the nights
Who could have known, cobalt becoming a blue lake
and copper-red becoming a sunset so elegant a glow.
Those many colors even the potter didn’t notice
Where have they all gone
to leave the soft moonlight alone.
How earnest a wish could it have been
The agarwood buried in the earth for a thousand years
to be so heavenly fragrant, only now awake
The moon jar reveals its deep heart in secret
White porcelain bowl.
이어령 / 초대 문화부장관
Lee O-young /
The Former Minister of Culture, Korea & Artist
나는 한중일 아시아 삼국의 도자기를 비교한 유종열의 높은 안목에 토를 달고 싶은 생각은 없다. 중국의 도자기가 듬직한 형태미에 있고 일본의 도자기가 아기자기한 색채에 있는 것도 사실이다. 그리고 청자이든 백자이든 한국의 도자기가 약간 이지러진 듯싶은 그 가냘픈 선(線)에 있다는 말을 부정하고 싶은 생각도 없다.
더구나 한국의 도자기가 왜 그토록 아름다운 가를 설명하는 대목에서 “불규칙 가운데 규칙이 있고 미완성 가운데 완성의 흐름이 있기 때문이다.”라고 한 말에 대해서 그리고 “불규칙을 동반하지 않는 규칙은 기계에 지나지 않고 규칙을 간직하지 않는 불규칙은 문란에 지나지 않는다.”고 덧붙인 말에 대해서는 박수를 보내고 싶다. 일본의 많은 작품들이 “완성을 지향하고자하는 버릇 때문에 이따금 생기를 잃고 만다.”는 자기 반성의 말에 이르러서는 존경심까지 우러난다.
그러나 신경균의 도자기를 보기 전까지는 이러한 말들을 단순한 도자기 공식으로 머리에 익혀 둔 것뿐이라는 사실도 솔직히 고백하지 않을 수 없다. 실제로 도자기의 형과 색과 선이 어떠한 것인지 삼국의 도자기의 특성과 차이를 체감할 만한 기회도 갖지 못하고 있었다. 그런데 우연히도 신경균의 도자기를 대하는 순간 한국의 도자기가 지닌 특성은 단순한 선의 예술만이 아니라는 사실에 눈을 떴다.
그 도예품에는 이른바 중국적인 형, 일본적인 색을 모두 포함하고 있었으며 그 통합된 도자기의 예술적 특성 안에서만 한국 특유의 선의 예술이 나온다는 것도 몸으로 느낄 수가 있었다. 한마디로 선은 형과 색과 비교 되는 것이 아니라 그 모든 것을 통합한 뒤에야 얻어지는 결과물이라는 것에 대해서 확신을 갖게 된 것이다.
무엇보다 달 항아리의 허리를 잘라 두 동강을 낸 것 같은 커다란 백자 사발을 한 번 봐주기를 바란다. 그 묵직한 볼륨과 당당한 형태감은 중국도자기의 형을 압도한다. 동시에 신경균의 찻잔을 보라. 그 오묘한 유약의 흐름에서 배어나오는 색채감 그리고 도자기의 깔끔한 결은 일본인들의 특성이라는 색채 예술을 무색하게 한다.
두말 할 것 없이 전통적인 조선조 백자의 특성을 그대로 살린 자연스럽고 약간 이운 그 도자기의 윤곽선과 그 몸체의 실루엣은 선의 예술이 보여주는 극한이라고 할 수 있다.
한마디로 신경균의 도자기 문화는 한국도자기는 선이 아니라 형과 색과 선의 모든 아름다움을 어우르고 통합한 데 있다는 것을 보여준다. 어떻게 한 장인의 손에서 여성적인 섬세한 아름다움과 동시에 남성적인 당당한 역동감을 함께 느낄 수 있는가. 생물이라면 아마도 양성구유라고 부를 수 밖에 없는 희귀한 존재감이다.
그런데 신경균의 도자기는 보는 것만으로는 충분히 감상을 했다고는 말할 수 없다. 도자기의 최종적인 미학은 바로 촉각이기 때문이다. 물레의 회전과 손의 감촉에서 태어난 둥근 흙의 형태는 새의 둥지이며 작은 하늘이다. 하지만 그것은 단순히 손과 흙이 접촉할 때 생기는 그 이상의 부드러움도 견고함도 아니다. 달 항아리를 반쪽 낸 것 같은 백자 사발을 잡는 손은 이미 흙의 감촉이 아니라 감전이고 진동하는 교감이다.
눈으러 보고 귀로 듣는 아름다움에 더 이상 만족하지 않고 그 이상의 어떤 것을 구하기 위해 허공을 더듬던 손에 잡힌 달빛인 것이다. 정확하게 말하자면 그냥 달빛이 아니라 하늘에서 내려온 우주의 작은 파편이다. 묵직한 중량감을 느끼면서도 도자기를 들고 있는 손은 허공에 떠 있는 깃털처럼 가벼워진다.
천리 밖 달의 속살까지 보고 만져볼 수 있는 행운을 누리며 무중력의 백자 사발 안에 들어가 서툰 시 한 수로 화답한다.
이것은 하늘위에 뜬 흰 달이 아니다.
이제 막 산 봉우리에 올라
은하수 물을 길어 오는 백옥의 사발
정화수 보다 맑은 흙과 불의 기도
도공의 가슴이 가마(窯)가 되고
시인의 열정이 불길이 되어
천 번의 밤이 지나도 기울지 않은
달이 되었다.
청화가 파란 호수가 되고
진사가 저토록 고운 노을이 될 줄이야.
도공도 미처 몰랐던 그 많은 색깔들은
모두다 어디에 두고
교교한 달빛만이 남았느냐.
얼마나 간절한 비원이었기에
땅속에 묻어둔 천년의 침향(沈香)이
지금에서야 깨어나 저리도 향기로운가.
달 항아리가 몰래 속마음을 보여주네
백자 사발.
I do not wish to add any comments to the sophisticated taste of Yanagi Muneyoshi, Japanese scholar of aesthetics, who had compared the ceramics of three Asian countries, Korea, China, and Japan. It is true that Chinese ceramics has a certain formative beauty of a heavy build and Japanese ceramics has charming color tones. I do not wish to deny that Korean ceramics seem to have a slightly waning delicate line whether it is celadon or white porcelain.
Moreover, I would like to applaud Yanagi’s descriptions of why Korean ceramics is ever so beautiful when he writes, “There is regularity in the midst of irregularity and flow of perfection in the midst of imperfection.” He also adds, “Regularity that does not accompany irregularity is nothing but machinery and irregularity that does not cherish regularity is nothing but disorder.” There is even a part of me that respects his self-reflective comment on many Japanese works when he writes, “Due to the habit of heading toward perfection, they sometimes lose liveliness.”
To be frank, however, I cannot help but confess that these words were simply memorized in my mind as a formula of ceramics until I viewed Shin Gyung Kyun’s world of ceramics. I never had a genuine opportunity to thoroughly experience the form, color and line of ceramics nor the features and differences among the ceramics of the three countries. But the moment I encountered Shin Gyung Kyun’s ceramics, I realized that the features of Korean ceramics could not be explained simply by the art of lines.
Shin’s pottery included both the so-called Chinese form and Japanese color, and the unique Korean art of lines in the artistic feature of such integrated works of ceramics was palpable. In other words, I felt certain that line cannot be compared with form and color, it is the consequence obtained after all the elements have come together, integrated.
Most of all, I would like to invite you to view the huge white porcelain bowl which looks like a moon jar cut in half. The weighty volume and dignified sense of form surpass the Chinese form of ceramics. Now, take a look at his tea cups. The sense of color that permeates from the mystic flow of the glaze and the clean texture render the Japanese feature of color-oriented art rather insignificant.
The traditional characteristics of Chosun white porcelain definitely come to life true to the original contour of the pottery with a natural wane and the silhouette of the body displaying the extreme art of lines. Shin Gyung Kyun’s ceramics show us that Korean ceramics is not about just the lines but the embodiment of all the beauties of form, color and lines, that is, the synthesis within. How could feminine beauty of subtleness and masculine spirit of dynamic pride both spring from a single artisan’s hand? It comes from the rare existence of androgynous talent.
However, one cannot fully appreciate Shin’s ceramics simply by viewing it because the ultimate aesthetics of ceramics lies in the sense of touch. Born from the turning potter’s wheel and the tactile sensation of the hand, the clay takes the form of the round earth and the bird’s nest and the sky held within. It is not simply the softness and hardness formed when the hand and clay make contact. The hand that molds the white porcelain bowl is not merely touching the clay. It is the communion of electric energy and vibration from the hand.
As the moonlight fumbles around in the void, it is caught by the artisan’s hand to pursue something more than just beauty obtained by sight and sound. To be precise, it is not just any moonlight but a small piece of the cosmos landing from the sky. While feeling the weightiness, the bowl also feels as light as a feather floating in the air in the hand holding it.
I truly feel lucky to have had the opportunity to see and touch the inner skin of the faraway moon, and here my humble poem follows, which sprang from my deep appreciation for the delicate white porcelain bowl.
White moon high in the sky, this is not.
Just now, arriving at the peak of a mountain
The white jade bowl fetching water from the galaxy
The prayer of earth and fire, purer than freshly drawn water
The potter’s chest becomes the kiln
The poet’s passion becomes the flames
A thousand nights
and the moon stayed full, through the nights
Who could have known, cobalt becoming a blue lake
and copper-red becoming a sunset so elegant a glow.
Those many colors even the potter didn’t notice
Where have they all gone
to leave the soft moonlight alone.
How earnest a wish could it have been
The agarwood buried in the earth for a thousand years
to be so heavenly fragrant, only now awake
The moon jar reveals its deep heart in secret
White porcelain bowl.
The Former Minister of Culture, Korea & Artist